이 그림은 두 명의 프랑스 대사, 장 드 딘트빌(Jean de Dinteville)과 조르주 드 셀브(Georges de Selve)의 모습을 담고 있지만, 그림 속 요소 하나하나가 당대의 정치, 종교, 그리고 인간 존재에 대한 메시지를 담고 있습니다.

왼쪽에 서 있는 인물은 프랑스 대사 장 드 딘트빌로, 그가 이 그림을 의뢰했어요. 화려한 옷차림과 손에 든 단검에서 그는 실질적인 행동가의 이미지를 보여줍니다. 반면 오른쪽의 조르주 드 셀브는 성직자이자 외교관으로, 책에 기대어 더 사색적이고 내면적인 모습을 나타냅니다. 두 사람은 친구 사이로, 딘트빌이 영국에서의 고된 외교 생활 중 친구를 만난 기쁨을 기념하기 위해 이 초상화를 남겼다고 해요. 🫂

그림의 중심에는 물건들로 가득 찬 테이블이 놓여 있어요. 이 물건들은 당시 유럽 사회를 둘러싼 다양한 관심사를 상징합니다.

• 상단: 하늘과 우주의 영역 🌍
  천체구, 해시계, 천문학적 기구들이 하늘과 시간을 측정하는 인간의 탐구를 나타냅니다. 그러나 이 기구들의 측정 값이 일치하지 않는다는 점은, 당시 유럽의 혼란스러운 상황을 암시하는 듯해요.
• 하단: 지상과 인간의 삶 🎼
  지구본, 수학 책, 류트, 루터교 찬송가가 놓여 있습니다. 특히, 류트의 끊어진 줄은 종교적 분열을 상징하며, 헨리 8세의 종교 개혁과 유럽 내 갈등을 암시하죠.

💀 가장 눈길을 끄는 것은 바닥에 있는 왜곡된 형태의 두개골입니다. 이 기이한 물체는 특정 각도에서 봐야 온전한 두개골로 보이는데, 이는 인간의 죽음을 상기시키는 메멘토 모리의 역할을 합니다. 홀바인은 이 기법을 통해 삶의 유한성을 강조하며, 이 화려한 그림 속에서도 죽음이 늘 우리 곁에 있음을 상기시켜요.

✝️ 이 모든 혼란 속에서도 희망을 암시하는 요소가 하나 있어요. 그림 왼쪽 상단, 초록 커튼 뒤에 살짝 보이는 십자가입니다. 이는 혼란스러운 세상과 죽음을 넘어 영원한 생명을 상징하며, 그림에 한 줄기 위안을 더합니다.

이 초상화는 두 대사의 모습만을 그린 것이 아니라, 당시 유럽의 종교적 갈등, 정치적 긴장, 그리고 인간의 존재에 대한 성찰을 담아낸 작품이에요. 디테일 가득한 요소와 상징들 속에서 관람자는 각자 다른 이야기를 발견할 수 있습니다.

렘브란트의 <야경>(1642)은 네덜란드 황금기를 대표하는 그림이에요. 이 작품은 최초의 집단 초상화로, 그림 속 인물 모두에게 돈을 청구해 큰 수익을 벌어들인 렘브란트의 야심작이자, 당시 도시 방위대의 구성원들이 마치 실제로 움직이는 순간을 포착한 듯 생생하게 그려진 수작입니다. 하지만 지금 우리가 이 그림을 감상할 수 있기까지, 여러 번의 위기를 겪었고 흥미로운 복원 과정도 거쳤답니다.

당시 네덜란드에서는 시민들이 도시의 방위를 책임졌어요. 상인, 장인 등 시민들로 구성된 방위대는 도시의 자부심과 결속을 상징하는 공동체였죠. 그들은 길드라는 조직에 속해 함께 모임을 갖고 연회를 열며, 직업적인 네트워크를 넘어 사회적, 문화적 중심지 역할을 했습니다. 이 그림은 바로 그러한 방위대, 특히 아르퀘부시어(초기 화승총 병사) 길드의 자부심을 기념하기 위해 제작되었어요.

중앙의 두 인물 👥

• 검은 옷과 빨간 띠를 착용한 프란스 바닝 코크 대장은 대열의 리더로 묘사되었고,
• 그의 왼편에 노란 옷을 입은 부대 부관 빌렘 반 라위텐뷔르흐는 어둠 속에서 빛을 받아 강조되었습니다.

작은 소녀의 상징성 🧒🏻
그림 속에 눈에 띄는 인물이 한 명 더 있어요. 바로 작은 소녀인데요, 허리에는 닭과 화약 가방, 총이 그려져 있습니다. 이는 길드의 정체성을 시각적으로 표현하는 상징이자 마스코트로서 그녀의 역할을 나타낸 것이죠. 🐓

우리가 흔히 알고 있는 제목인 ‘야경(The Night Watch)’은 사실 잘못된 이름이에요. 원래는 밝은 낮 장면을 그린 그림이지만, 시간이 흐르면서 그림 위에 덮인 어두운 바니시(마감 코팅) 때문에 밤 장면처럼 보였던 것인데요, 이 잘못된 인상이 오랫동안 이어졌고, 지금도 이 이름으로 더 잘 알려져 있습니다.

‘야경’은 여러 차례의 공격과 복원을 겪으며 그야말로 생존의 역사를 써 내려갔어요.

수난의 역사

• 1715년, 새로운 전시 공간에 맞추기 위해 세 면이 잘려 나갔어요. 이 때문에 화면의 일부 인물과 배경이 사라졌습니다.
• 1911년: 한 실업자가 칼로 그림을 손상시키려 했지만, 당시 두꺼운 바니시 덕에 큰 손상은 없었어요.
• 1975년: 정신적으로 불안정한 남성이 칼로 그림을 여러 번 찢었고, 이후 4년에 걸친 복원 끝에 회복되었어요.
• 1990년: 한 정신병 환자가 산성액체를 뿌렸지만, 즉각적인 응급 조치 덕에 다행히 큰 피해를 막을 수 있었어요.

매번 복원이 이뤄졌지만, 여전히 그림의 표면엔 손상된 흔적이 남아 있습니다. 최근에는 AI 기술을 활용해 잘려 나간 부분을 재현한 프로젝트가 진행되기도 했어요. 당시 제작된 복원본은 한정 기간 동안 전시되며 관람객들에게 그림의 원래 구성을 상상해볼 기회를 주었죠.

렘브란트는 길드를 줄 세우듯 묘사하는 대신, 마치 그들이 막 행진을 시작하려는 순간을 그렸습니다. 인물들이 서로 교차하며 빛과 그림자가 드리워진 장면은 한 장의 그림이라기보다 연극의 한 장면처럼 느껴집니다. 빛과 어둠을 활용한 렘브란트의 연출 덕분에, 이 그림은 지금도 강렬한 인상을 남깁니다. 💡

1868년 살롱에 출품된 에두아르 마네의 <에밀 졸라의 초상화>는 예술가와 비평가의 특별한 우정을 기념하는 작품이에요. 당시 졸라는 마네를 강력히 옹호하며 그를 "미래의 거장"으로 평가했는데, 이 그림은 그런 졸라에 대한 감사의 표시로 그려졌답니다.

졸라는 마네를 포함해 전통 미술계에서 외면받던 화가들을 적극적으로 지지한 비평가였어요. 특히 1867년, 그는 <올랭피아>를 포함한 마네의 작품을 옹호하며 논란 속에서도 그를 "루브르에 들어갈 자격이 있는 화가"라고 주장했죠. 마네는 이에 화답하듯, 이 초상화에서 졸라의 개인적 취향과 정체성을 드러내는 물건들을 세심하게 배치했어요.

• 책상 위의 파란색 소책자: 졸라가 1866년에 쓴 마네 옹호 기사가 담긴 브로셔예요. 이 소책자는 마네를 향한 졸라의 지지를 상징적으로 보여줍니다. 📘

• 벽에 걸린 마네의 ‘올랭피아’: 1865년 살롱에서 논란을 불러일으킨 작품으로, 졸라가 그의 최고작으로 평가한 그림이에요.
• 스페인 화가 벨라스케스의 ‘바쿠스’ 복제화: 졸라와 마네가 공유했던 스페인 미술에 대한 애정을 드러냅니다.
• 일본판화와 병풍: 동아시아 미술이 유럽 화가들에게 준 영감을 보여주는 요소로, 당시 새로운 시각과 색채 개념을 열어준 혁신적인 영향을 반영해요. 🗾

책상 위에 놓인 깃털 펜과 잉크는 졸라의 작가로서의 정체성을 상징하며, 그가 당대 예술계를 지탱하던 비평가임을 보여줍니다.

이 초상화는 화가와 비평가의 교류의 산물이자, 당대 예술계의 변화를 보여주는 작품이에요. 마네와 졸라는 모두 전통에 도전하면서 새로운 미술의 방향을 모색했죠. 이 초상화는 두 사람이 서로의 성공을 바랐던 우정과 연대를 상징합니다. 🤝

• 기간: 12.28(토) ~ 1.1(수)
• 당첨자 발표: 1.2(목) | 개별 연락